lunes, 21 de junio de 2010

Brian Eno, Teatro de la Ciudad

Esto debe empezar con una premisa sencilla y predecible: la tecnología determina las posibilidades de cualquier forma de creación; pero cobra cierta importancia si es Brian Eno -un pionero de la música ambiental- quien lo dice.


El martes 15 junio, en el Teatro de la Ciudad, Brian Eno expuso en dos horas su teoría sobre la cual ha basado su producción musical y "ambiental" desde los últimos 40 años. Ahí, el auditorio estaba lleno hasta el incómodo palomar. En el escenario una silla, una mesa, diapositivas, dos personas y sus copas de vino desmenuzaron las bases de una teoría que ha influído en la música de John Cale (Velvet Underground), Robert Fripp (King Crimson), David Bowie , U2, Depeche Mode y Bob Dylan entre tantos otros. Esta lista se hace sin ánimo de excluír a ninguno de tantos músicos que ha colaborado con Eno desde 1972, cuando aparece el primer álbum de Roxy Music.




Brian Eno // Photo: Darkolina Lemon


Eno explicó que su premisa incide en por lo menos tres cosas, "to choose when to be heard", recording; "not loud enough", amplification; "and the possibility of a whole new palette of sounds", synth. Con ellas, un instrumento acústico no puede siquiera competir. Este está limitado a producir música en le momento en que es utilizado, a un volúmen determinado incluso por el lugar en el que se interpreta y a un sonido particular, que no puede superar.

Otras disciplinas han sido rebautizadas con cambios tan sustanciales en la posibilidades de producción y reproducción. No se podría llamar foto en movimiento a un arte que ha descubierto su propio lenguaje y no utiliza solamente el del teatro o la fotografía. Se llama cinematografía.

"Lamentablemente, a esto que nosotros hacemos, se le sigue llamando música", dijo Eno. En ese momento, las palabras no eran una pretención, toda la razón estaba puesta en su escenario.



Short span of attention to porno and the musical paintings

"Record comapanies asumed that listeners had little span of attention in music", y por eso estamos condenados a escuchar una curva de canciones que presumiblemente agradará a todos. Que las compañías disqueras lo creyeran definió la forma en que se hace radio, tele y todos los productos de medios masivos. Así que Eno grabó secuencias de música congruente entre sí. Toda una generación estuvo de acuerdo con Eno y también grabó secuencias de música congruentes entre sí: casettes.

Peter Schmidt -pintor y teórico del color y composición-, quien conoció a Eno en Ipswich, también compartía la idea. Él utilizó la música de Hayden para reproducirla a una diferente velocidad.

Otros ejemplos pueden hallarse en las composiciones de Phil Spector, creador del concepto "muro del sonido" y de Lou Reed, a quien Eno aún no conocía. Después de escuchar al primero, Eno entendió quería hacer era música que nunca acabara, "as a place you entered, and when you had enough, you can come out". Es un paisaje.

Casi una hora después de este anéctadota, Brian Eno recordó cómo tituló su tercer disco: "Ambient 1: Music for Airports" (1978). Mientras esperaba un vuelo en el aeropuerto de Colonia, Alemania, tuvo a bien de disfrutar de la hermosa arquitectura del lugar, del día soleado, apacible y con poca gente. Un lugar que desafortunadamente ni el propio aeropueto indica quien lo ha diseñado. No entendía, sin embargo, como un lugar que ha costado tantos millones puede echarse a perder con bocinas de tres dólares y la peor música.

Este lugar podría estar ocupado por sonidos que se acoplaran al diseño, que permitan ser interrumpidos por un altavoz, que dejen pensar e interactuar: funcionalidad, como en cualquier otra disciplina de diseño.

Para ejemplificarlo mencionó a Lou Reed y su disco "Metal Machine Music", que fue lanzado la misma semana de julio de 1975 que "Discreet Music". "Both are extreme ends of the same spectrum, mine is a kind place to be, and his is a nightmare". Los dos son ambientes que distinguen el espíritu de la época: constantes, sin final, evolutivos.







Otro ejemplo es "Its gonna rain", de Steven Ryke, que según describió Eno, es la forma más económica de producir este mismo efecto. Es un motor, y no precisamente música. Y este motoro permite que el creador se convierta también un espectador de su propia obra. En la presente, dos pistas superpuestas reproducen "It'sgonnarain,It'sgonnarain,It'sgonnarain,It'sgonnarain" en velocidades apenas diferentes. El resultado es la combinación de todos los sonidos posibles en esa grabación.

La música generalmente se compone a través de establecer un ritmo en los instrumentos que elijes, pero con esta otra forma de producir, se elijen sonidos y se permite que ellos produzcan su propia música."Each element exists on its own space, its not locked into the other elements": endless music , free floating layers, ambient music. Así, se le retira el carácter de sinfónica, "instead of architechtural, its more than gardening". Eliges las semillas y el jardín crece por si mismo. Es una forma completamente diferente de hacer música de como se había producido en los últimos 200 años

La paleta instrumental son islas, sin flexibilidad, pero la electrónica no tiene límites. Un pintor se vuelve loco si aún teniendo todas las combinaciones posibles, de pronto alguien se le acerca y le entrega una paleta de 4000 nuevos colores que jamás había visto. Brian Eno lo experimentaba también con pintura, y con luces. Construía cajas de luces que se intercambiaban y podías mirarla por un orificio: "a person who has drinked to much, could have some fun. I had't a single enquire about this". Eso fue en 1967, es decir, cuando aún estudiaba pintura.

77 million paintings

Unos años después, mientras Eno trabajaba con Talking Heads (1978-1982) se encontró con la banda Foreigner en el estudio contiguo. Mick Jones, vocalista de esta banda y amigo de Eno, se acercó a este último y le extendió una cámara. El aparato fue comprado a pesar de que Eno estaba seguro de que Jones la había robado. El único interés de Eno en la cámara fue la posibilidad de grabar en color.

Con ella, el músico educado en pintura registró el paisaje de N.Y. desde su departamento. Cambiaba colores y la mantenía acostada para apoyarla a falta de un tripie. No había variaciones mas que elementos momentáneos, algunos pájaros, carros, personas y tal vez un avión. Así transcurrían horas.

Para reproducirlo debía usar una televisión recostada, para componer la imagen de una cámara sin tripie. Con ello, la pantalla cambia de formato y deja de ser una televisión para ser una pintura que se modifica apenas. Este es el mismo aparato que está diseñado para que todo lo que se reproduzca en él sea contenido. "Content is always part of it: weather reports, porno, drama. Everything is a subset". Es un subset de una tecnología sobre la que se cree que el auditorio no puede prestar atención mas que para el cotenido.

"77 million paintings" (2007), la exposición que fue recientemente presentada en el Anahuacalli, ha servido a Eno para corroborar que después de 20 minutos, las personas que entran con actitud de museo terminarán como unos moluscos. "How pleasurable is to let something happen to you [...], to be surrendered", decía Eno al respecto mientras su traductor acotaba surrender: puede ser tanto rendirse como dejarse llevar.

77 million paintings - Scott Beale thelaughingsquid.com

El expositor cree que todas las culturas lo hacen de una u otra forma: sexo, drogas, fé y arte. "Control is just one side of the spectrum of possible behaviours", según Eno, algo de lo que humanos estamos muy orgullosos y somos bastante buenos en ello.

Lector, la conclusión es la evidente.

"What I'm trying to say, is that my work is terribly important".

Pasaban de las 10 de la noche, Teatro de la Ciudad, Distrito Federal.